Hacia la Profesionalización en Gestión Cultural ( Primera parte)

El Fondo de Fortalecimiento de Capacidades en Gestión Cultural (AECID-CCEN-Coop.Suiza-Hivos) y la UCA  invitaron a estudiantes, gestores/as culturales, artistas, universidades y público interesado a participar en el Foro de diálogo, reflexión y debate “Hacia la profesionalización en Gestión Cultural” en el auditorio Lizandro Chávez de la UCA  el día sábado 24 de agosto de 2013.

Exponentes: José Luis Mariscal O. (México), Pepe Prego  ( Granada, Nicragua) Margarita Antonio (Puerto Cabezas, Nicaragua), y Roberto Guerra (Chile).

A continuación compartiré los puntos más relevantes tratados durante el foro, las intervenciones, punto de vista y conceptos de los expositores.

Se inició con la intervención de José Luis Mariscal Orozco (Profesor investigador  de la Universidad de Guadalajara, México) quien abordó el tema de la Profesionalización de la Gestión Cultural en México.

Partimos del acercamiento  a un concepto, donde se dijo que  la gestión cultural es un campo multidisciplinar que articula conceptos, metodologías, elementos técnicos y financieros para el análisis e intervención de una organización social dada, a partir del diseño, implementación y evaluación de estrategias desde el ámbito cultural.

La gestión cultural en México se caracteriza por un crecimiento acelerado en la oferta de formación universitaria, una carencia de una política nacional de profesionalización por parte del Estado, poca integración e intercambio de los programas educativos y una débil asociatividad por parte de los gestores culturales en activo.

En los últimos quince años se ha dado  la aceleración de los procesos de profesionalización de gestores culturales en Latinoamérica a través del desarrollo de múltiples acciones ( educativas y políticas), las cuales han estado encaminadas a la consolidación en el sector cultural de un agente especializado en el diseño, ejecución y evaluación de la acción cultural.

Hoy en día existen 42 ofertas de educación superior (principalmente licenciaturas y postgrados) en gestión cultural o su equivalente en el país que han surgido desde 1995 hasta la fecha.

En América Latina después de Argentina, México es el país que tiene más ofertas educativas en este campo, sin embargo, carecen de publicaciones especializadas en gestión cultural y un soporte institucional como lo tienen la misma Argentina, Colombia o Chile.

Qué es profesión?

En términos sociológicos, una profesión  es una actividad de reconocida utilidad social que es desarrollada y ejercida por individuos que han adquirido competencias especializadas en ese conjunto de saberes y habilidades a través de un programa de formación reconocido por el Estado. No obstante, este conjunto de competencias que conforman un perfil general de una profesión están circunscritas a ciertos acuerdos sociales que regulan  y delimitan normativa y operativamente la práctica laboral y académica.

Elementos que determinan una profesión:

·         Reconocimiento por el Estado.

·         Se define por la formación universitaria, como un espacio oficial y de reconocimiento para la generación y transmisión de los saberes, habilidades y actitudes.

·         Cuentan con organizaciones  que inciden sobre la práctica, y que confían a sus miembros funciones políticas, económicas, de control y de motivación.

Proceso de Profesionalización México:

En México  los gestores culturales se ha venido dando a partir de condiciones y situaciones tanto de orden político, económico y social como en íntima relación  con lo que sucede en Latinoamérica y España.

Se diferencian algunos elementos claves:

1. La demanda de empleadores públicos, privados y asociativos de profesionistas en el

diseño, ejecución y evaluación de acciones culturales.

2. La implementación del modelo económico neoliberal en México que influyó en la

disminución del financiamiento púbico a la cultura, la implementación en el sector

cultural de ideologías y modos de administración provenientes de las empresas

privadas, así como una menor participación e intervención del Estado

en el sector y un aumento de la iniciativa privada en los circuitos culturales.

3.- Una mayor demanda por parte de la ciudadanía por participar en la generación de

acciones culturales desde la asociatividad, lo cual ha requerido que los ciudadanos

o grupos de ciudadanos tengan las competencias suficientes para diseñar e implementar proyectos culturales, así como la gestión de recursos en fuentes de financiamiento públicos, privados y comunitarios.

4. La generación de grupos y redes de gestores culturales que han generado espacios

y herramientas de discusión, reflexión y comunicación de las experiencias,

necesidades y problemáticas.

5. La toma de conciencia gremial de los gestores culturales que se han formado desde

la práctica lo cual ha traído consigo una demanda de reconocimiento económico,

laboral y académico en las instituciones donde se desempeñan y en relación con

otros profesionistas que operan en el sector cultural.

Retos a enfrentar para los próximos diez años:

·         La consolidación de los programas de formación universitaria. Se ha dado un crecimiento exponencial  de las ofertas de formación lo cual nos permite por una parte proporcionarla a los gestores culturales en activo un título profesional, y por otra, formar nuevos gestores que recién egresan de los bachilleratos y que ven en la gestión cultural un campo de desarrollo profesional.

Sin embargo, creo que en este momento los gestores son muchos y diversos, pero no se conocen; por ello uno de los retos es poder generar espacios de reconocimiento entre los protagonistas de formación de gestión cultural en el país, no sólo de quienes lo coordinan, sino también de su planta docente y alumnado.

·         La formación de formadores en gestión cultural. Actualmente los programas en gestión cultural de las universidades ya cuentan con una planta docente más o menos estable; sin embargo aún está pendiente su formación docente, ya que es una de las contradicciones que no se ha podido resolver: por una parte se encuentran gestores con gran experiencia en el campo que no pueden ser contratados porque no cuentan con título, y por otra parte hay personas que tienen título en algún área a fin pero sin mucha experiencia en la gestión cultural.

Aquí es donde debemos trabajar por ambos lados, acreditando competencias de los gestores con experiencia para darles un título y que formen parte de la planta docente; y además capacitar en la práctica a los titulados sin mucha experiencia. Esto, por supuesto, implica la necesidad de diagnosticar cuales son los perfiles actuales de los docentes en gestión cultural.

·         La consolidación de grupos y redes gremiales. Este es un asunto que compete a la sociedad

civil. Actualmente existen ya algunos grupos formal e informalmente constituidos que

realizan acciones de socialización de la práctica.

·         El fortalecimiento del servicio civil de carrera. Uno de los elementos importantes en los que

debemos poner un énfasis especial, es en la implementación de este servicio en los tres

niveles: federal, estatal y municipal; de tal manera que muchos direcciones coordinaciones y

jefaturas de cultura puedan ser ocupadas por gestores culturales profesionales. Esto

implicará nuestra participación activa y propositiva en reformas de leyes y reglamentos.

·         Certificación de competencias laborales en gestión cultural. En la actualidad ya existen las

condiciones para crear grupos técnicos que desarrollen estándares de competencias y sus

instrumentos de evaluación para que se integren en el registro nacional del CONOCER, con

la participación de universidades y gestores culturales, se podrían definir perfiles laborales y

profesionales como lo han hecho en otros países como en España.

·         Una mayor participación de los gestores culturales profesionales en la iniciativa privada.

·         Generación y consolidación de grupos de investigación en gestión cultural.

·         Ampliación de la bibliografía en gestión cultural.

·         Conformar un repositorio de experiencias en gestión cultural. Es necesario crear una base

de datos abierta para la documentación y socialización de experiencias de los gestores

culturales, no solo para el reconocimiento de las personas y sus temáticas de proyectos,

sino también que permita conocer a detalle sus experiencias, aciertos y errores, de tal

manera que permita experimentar en cabeza ajena y así fortalecer los procesos de

formación e innovación de la práctica profesional.

Después les compartiré lo que está haciendo Nicaragua y la experiencia en Chile.

El estilo es un obstáculo para la expresión del artista.

Una vez alguien me preguntó: ¿Tú escribes poemas? Y yo le dije: No, cuando quiero expresar sentimientos a través de la escritura, lo hago en prosa.

Algunas de mis ideas no inician en oscuros bosquejos, ni en cálidos trazos de colores; estas se  escapan y terminan en letras sobre pequeños trozos de papel que después guardo entre mis libros. 

Son detalles, sentimientos, palabras libres de ataduras, no hay versos, no hay rimas; pero aguardan quietas en el  papel, y lo que un día es letra  se puede volver mariposa.

Lo mismo pasa con la pintura, no me gustan las ataduras, no tengo un estilo en particular, sólo tengo un tema que después represento de distintas maneras, y aunque para el “mercado artístico” es muy importante el estilo para así reconocer al artista, para mí es una camisa de fuerza que limita la creación. Cuando un artista se queda en un estilo determinado, deja de seguir experimentando y la obra se vuelve repetitiva, las mismas líneas, los mismos colores, etc.
Quien diría que en una linea de corcheas  pueda estar la  tristeza, o que entre hierros torcidos se  libere la felicidad; y que en  finos trazos de colores  se escondan libros de fantásticas historias. Hay cosas que nos parece tan sencillas, pero  hay todo un proceso para llegar ese resultado.


Toros de Picasso
           

Hace unos días leía una entrevista al artista Bernar Venet y estoy de acuerdo con muchas de sus apreciaciones; entre lo que dijo es que hoy ya no hay una capital del arte, hay una multiplicidad de centros y de periferias: “Ha estallado todo en fragmentos. Él vive el Mediodía de Francia, tiene el taller en Hungría, un ayudante en París, otro en Londres y otro en EE UU. "Es un mundo muy difícil. Es complejo ser artista y poder destacar. Porque hay artistas en todas partes y ya no están reunidos en una capital o en un centro concreto” es lo que manifestaba.

“Me da igual que esté en una cárcel o en cualquier otro sitio, porque mi trabajo surge de un concepto, de una lectura, por ejemplo, que me inspira una idea y la contraria. Esos opuestos son estimulantes. Mi trabajo nace completamente independiente del entorno. Lo que ocurre en política no me afecta”, explicó.

Pero ¿quién es Bernar Venet? Es un artista francés motivado por el concepto; ha esculpido y forjado esculturas, ha pintado y dibujado, ha compuesto poemas y piezas sonoras, ha diseñado muebles y filmado películas. “En los años cincuenta la cuestión era que cada artista tenía que encontrar su estilo. Una vez lo había hecho, los artistas se dedicaban a producir, producir, producir y a ganar dinero. Yo estaba totalmente en contra. El estilo es un obstáculo para la expresión del artista”, afirmó el creador minutos después de recibir  el  IVAM el Premio Julio González.

Escultor de renombre internacional, con obras en 70 museos, como el Moma, el Guggenheim de Nueva York o el Pompidou de París, Venet  ilustró su discurso echando mano de su trayectoria: “Siendo muy joven, publiqué un libro con las páginas en negro, al tiempo que hice una escultura con un montón de carbón, grabé el ruido de una carretilla durante una hora y escribí un poema que era negro, negro, negro. Todo tenía la misma temática, pero en distintas disciplinas. Es decir, no había ni estilo ni composición sino una idea, una matriz conceptual”.

Venet, de 72 años, consideró que “la radicalidad es la cualidad más importante en los artistas”. “Es indispensable. Puede haber alguien que pinte y será un pintor; alguien que haga escultura y será un escultor, pero no es suficiente, para que haya un artista debe cuestionar el propio arte”, agregó.

Escultura de Bernard Venet.

Las Pinturas más Famosas del Mundo

Estas son pinturas que han generado inspiración en cuanto a la iconografía, represendas en muchos estilos por distintas generaciones de pintores y aficionados. 

No hay un orden exacto; lo que tomé en consideración fue el uso y las distintas interpretaciones que se  le ha dado a las obras a través del tiempo. Pero sí es considerable que la Gioconda ocupa el primer lugar.

1. La Gioconda
La Gioconda , también conocido como La Mona Lisa, es una obra pictórica de Leonardo Da Vinci. Adquirida por el rey Francisco I de Francia a principios del siglo XVI, desde entonces es propiedad de Francia, y actualmente se exhibe en el Museo del Louvre de París.

 Es considerada la obra más trascendental del renacimiento y una pintura universal por excelencia.

Leonardo Davinci

Al estilo cubista

Monalisa por Andy Warhol

La gioconda de Botero

2. La Creación de Adán
La creación de  Adán es un fresco (280 x 550 cm)  en el techo de la Capilla Sixtina, del Vaticano, en Roma, Italia; fue pintado por Miguel Ángel Buenarrotti en 1510.

Ilustra el episodio bíblico del Génesis en el que Dios le da vida a Adán. Se observa como el brazo derecho de Dios da la chispa de vida.

3. La Ultima Cena

La Última Cena es una pintura mural realizada por Leonardo da Vinci en los años 1494-1497. Se encuentra en la pared sobre la que se pintó originalmente: el refectorio de Santa Maria delle Grazie en Milán. Frente a la iconografía clásica que puede verse en otras obras renacentistas, Leonardo no representa a Judas, el traidor delante de la mesa, sino incluido entre los apóstoles. Leonardo ha optado por representar el momento posterior al anuncio de Cristo de que uno de ellos lo traicionará y todos se preguntan «¿Soy yo, Señor?». En lugar de representar a Jesucristo como uno más con el apóstol Juan en brazos, Leonardo opta por aislar la figura de Jesucristo y agrupar a los apóstoles de tres en tres, caracterizando a cada uno de ellos a través de su actitud y movimiento. Los dos tríos a la derecha, lado luminoso, deben leerse como tríades platónicas, significando el primero que el Amor es el Deseo de la Belleza, que se perfecciona en Dios.(Ficino, De Amore).

4. Los Girasoles 
El cuadro Los girasoles que se conserva en la National Gallery de Londres pertenece a una serie de cuadros con el mismo tema realizados al óleo por el pintor más destacado del Postimpresionismo, Vincent van Gogh. Este cuadro lo pintó durante su estancia en Arlés, Francia en el año 1888. 

Aunque los cuadros de la serie son similares, no son idénticos y a parte de diferenciarse en el número de girasoles y en algunas tonalidades, también se diferencian por mostrar todas las etapas de la vida de estas plantas. Van Gogh pintaría tanto girasoles en flor como girasoles marchitándose.

5. La Persistencia de la Memoria es un óleo realizado por Dalí en 1931 y pertenece al estilo surrealista.

La obra representa un paisaje onírico, de espacios dilatados, en el que los elementos se asocian de forma insólita. El método empleado en la configuración de esta obra es lo que el propio autor denominó críticoparanoico, que significaba “un sistema espontáneo de conocimiento irracional basado en los fenómenos del delirio”. Con este método, Dalí suspende conscientemente el control de la razón para pintar y dar salida a sus sueños, sus obsesiones y sus delirios.

6. Las Meninas ( La familia de Felipe IV)
Las Meninas, como se conoce el cuadro desde el siglo XIX, o La familia de Felipe IV según se describe en el inventario de 1734, se considera la obra maestra del pintor del siglo de oro español Diego Velázquez. Acabado en 1656 según Antonio Palomino, fecha unánimemente aceptada por la crítica, corresponde al último periodo estilístico del artista, el de plena madurez. Es una pintura realizada al óleo sobre un lienzo de grandes dimensiones formado por tres bandas de tela cosidas verticalmente, donde las figuras situadas en primer plano se representan a tamaño natural. Es una de las obras pictóricas más analizadas y comentadas en el mundo del arte.El tema central es el retrato de la infanta Margarita de Austria, colocada en primer plano, rodeada por sus sirvientes, «las meninas», aunque la pintura representa también otros personajes. En el lado izquierdo se observa parte de un gran lienzo, y detrás de éste el propio Velázquez se autorretrata trabajando en él. El artista resolvió con gran habilidad todos los problemas de composición del espacio, gracias al dominio que tenía del color y a la gran facilidad para caracterizar a los personajes. El punto de fuga de la composición se encuentra cerca del personaje que aparece al fondo abriendo una puerta, donde la colocación de un foco de luz demuestra, de nuevo, la maestría del pintor, que consigue hacer recorrer la vista de los espectadores por toda su representación. Un espejo colocado al fondo refleja las imágenes del rey Felipe IV y su esposa Mariana de Austria, medio del que se valió el pintor para dar a conocer ingeniosamente lo que estaba pintando, según Palomino, aunque algunos historiadores han interpretado que se trataría del reflejo de los propios reyes entrando a la sesión de pintura o, según otros, posando para ser retratados por Velázquez, siendo en este caso la infanta Margarita y sus acompañantes quienes visitan al pintor en su taller.

Velázquez.

Picasso

Picasso



Por Botero: La infanta Margarita.

7. Guernica

Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso, pintado en los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Director General de Bellas Artes, Josep Renau a petición del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.

8. El Grito
El grito, es el título de cuatro cuadros del noruego Edvard Munch (1863-1944). La versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Noruega y fue completada en 1893. Otras dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras que la cuarta versión pertenece a una colección particular. En 1895, Munch realizó también una litografía con el mismo título.

Todas las versiones del cuadro muestran una figura andrógina en primer plano, que simboliza a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial. El paisaje del fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg. El grito está considerado como una de las más importantes obras del artista y del movimiento expresionista, constituyendo una imagen de icono cultural, semejante al de la Gioconda de Leonardo da Vinci.

 

9. El Beso

El beso (original en alemán: Der Kuss) es una obra del pintor austríaco Gustav Klimt y probablemente su obra más conocida. Es un óleo sobre lienzo de 180 x 180 centímetros, realizado entre 1907-08.

Esta obra, que sigue los cánones del Simbolismo, es una tela con decoraciones y mosaicos y fondo dorado.

10. Los  Fusilamientos del Tres de Mayo

Los fusilamientos del tres de mayo es un cuadro del pintor español Francisco de Goya. El cuadro, de unos 2,68 x 3,47 metros, se realizó en 1814 y se encuentra en el Museo del Prado, en Madrid. Forma una serie con el cuadro el Dos de mayo. 

11. El Nacimiento de Venus:

El nacimiento de Venus 1483-1484 , es una pintura de Sandro Botticelli (1445 - 1510). El nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 278.5 cm. de ancho por 172.5 cm de alto. Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.